Entrevista con Clint Eastwood.

Amy Taubin. Filmcomment. Enero-Febrero 2005. Su voz en el teléfono es mucho más joven que en la película. En verdad, es diferente a cualquiera de sus voces en las películas. Eso depende de cual personaje soy esta semana, pero usualmente es el mismo viejo que soy. Esta es una de sus películas más fuertes y una de las más dolorosas también. Parece ser en parte acerca del disgusto y no darse cuenta que, en el esquema de las cosas, lo has hecho bien, lo mejor que puedes. Soy una especie de propósitos encontrados porque no quiero advertir a las personas del final de la película, pero el final es importante. ¿Qué quiere dejarle a las personas al final? Es probablemente tan dificil de responder como empezar a hacer la película, o conseguir que alguien la financie. Es otro de esos proyectos, de los cuales he hecho dos ahora, donde tengo que ceder un poco para ejecutarlos. Pero de la misma forma, hay algo acerca de los disgustos de la vida y la falta de sentimientos espirituales que tiene este hombre, y esta muchacha joven quien se convierte en su hija adoptiva. Hay algo acerca de su batalla para ser alguien, para llegar a la cima, lo cual es muy similar a la propia Hilary Swank. Ella tuvo un origen muy pobre y quería ser actriz, así que entendía completamente a esta muchacha. Querer ser boxeadora para ganar reconocimiento, es la cosa menos obvia. El personaje de Morgan de Scrap tuvo ese sueño antes. Eso no ocurrió para Scrap, pero el se acerca a las personas, aún al muchacho joven retardado quien obviamente no tiene talento en el boxeo. Así que ahí está el respaldo de Scrap hacia las personas y ahí está el disgusto de Frankie por su hija y su familia y consecuentemente no querer hacer relaciones duraderas con nadie, pero encuentra un rejuvenecimiento con esta muchacha. Y entonces, por supuesto, cuando ocurre la tragedia, eso se convierte en la pelea más dura que tendrá ella, que cualquiera puede tener. Y a ¿donde lleva eso?, no hay respuesta. Nadie sabe que haría en esa situación. No hay manera de predisponer eso. Usted podría decir, ¿sígnifica eso que cree en la eutanasia? No necesariamente. ¿Pero quién sabe? Es una suposición a menos que usted haya estado en esa situación. Fue una película exigente de hacer, estas personas que viven en la periferia de la sociedad, al menos como lo conocemos y como la mayoría de las personas que van a ver la película lo conoce. Eso es todo lo que sé. ¿Como hace para encontrar ese personaje, Frankie? Usted no vive en la periferia y como usted dijo, nunca ha tenido que tomar el tipo de decisión que él tiene que tomar. ¿Cómo hace usted eso como actor? ¿Tiene usted el sentido de que lo encuentra dentro de usted? Supe inmediatamente como Hilary Swank había encontrado su personaje, que la vida física de esa muchacha quien quería boxear se había apoderado de ella. No era que ella pensaba eso, sino más como que el ser físico del personaje tomaba posesión de ella. Cuando eso ocurre, es un gran regalo para un actor. Solo se tiene que despejar y dejar que todo fluya. Pero lo que usted hace es diferente porque el tipo ha enterrado sus impulsos y deseos, tan profundo. Ha rechazado mucho. ¿Es usted capaz de hablar acerca del proceso que usó como actor? El proceso es el que se usa todo el tiempo. Solo que los obstáculos y los objetivos son diferentes cada vez. No se toma mucho en imaginar como esta persona se sentiría. Pienso como la imaginación humana, usted se puede poner en el lugar de la mayoría de todo. A mi edad, he visto suficientes altibajos que dispongo de bastante para dibujar este papel y 10 más como él. Pero cuando vi el guión, pensé que me gustaría dirigir esta película, pensé, que más me valía interpretar a Frankie. La mayoría de mis decisiones no las tomo a un nivel intelectual. Solo las tomo. Sabía que Morgan no tendría problema con lo suyo. Hilary, no sabía pero he admirado su trabajo, aun en cosas que no eran tan fugaces como Boys Don’t Cry. Ella trae una cierta personalidad y realidad. Sabía que ella estaría lista para esto, si tenía la voluntad de hacer el trabajo para ser esa atleta. Y la tenía. Es una persona muy determinada. Trabajó incesantemente, entrenó cuatro horas diarias por cuatro meses y la hicimos muy musculosa y alrededor de 9 kilogramos más pesada. Se convirtió en esa persona. Todos nos convertimos en las personas que eramos. En sus escenarios, ¿las personas se comportan como sus personajes? ¿Lo hace usted? Para mi, porque me he dirigido a menudo, voy y vengo. Siempre llevo una cierta cantidad de eso, pero puedo vivir y pensar acerca de otras cosas. El personaje está como sentado en tu mente antes de hacer la película. Es como hacer teatro. Lo tienes en la mente pero puedes tener una vida e ir a cenar y luego sumergirte en él. La única diferencia con las películas es que lo haces centenares de veces al día. Es una técnica que se desarrolla a través de los años. Algunas personas lo encuentran muy difícil, otras no tan fácil pero menos difícil. ¿A usted le gusta actuar? Usted sabe que me gusta. He amenazado con dejarlo, pero tal vez ese es un mecanismo de defensa, porque no hay suficientes buenos papeles a mi edad. Eso es probablemente verdad, y si lo es, me quedaré tras la cámara. La razón por la que empecé a dirigir hace 37 años fue que pensé que algún dia yo o la audiencia probablemente miraríamos a la pantalla y diríamos, “Ya es suficiente de eso”. Tuve una gran experiencia al hacer la última película (Mystic River) sin estar en ella. Siempre me ha maravillado mirar a otros actores cuando están conquistando las dificultades de las diferentes secuencias. Pero esta vez, pensé que Frankie Dunn es interesante, y seré capaz de hacerlo tan bien como el próximo que lo intente. Al observarse en diferentes papeles a través de los últimos 10 o 15 años, usted ve esos personajes en el contexto de su historia en la pantalla, la cual ha tenido que ver desde el comienzo con su poderosa presencia física. Pienso que ha sido extraordinariamente conmovedor e importante ver el efecto de la edad en el ícono Eastwood. Eso hace que una película como Blood Work parezca mucho más que solo terror. Si usted hubiese comenzado como actor de personajes más viejos ese no sería el caso. Es como si se aplicara la teoría del autor, no a usted como director sino como actor, y cada papel es parte de un cuerpo de trabajo. ¿Piensa usted en eso? Pienso que debe tomar un enorme coraje tratar de mantenerse en guardia cuando usted sabe que todos hacen la comparación con la imagen icónica que llevan en sus mentes. O estupidez o coraje. No, no pienso en eso. Creo que he sido lo suficientemente realista, así que este es quien soy en este punto de mi vida. Siempre he sentido que las personas deben progresar. Si hay alguna ventaja que viene con la edad, esa es el conocimiento y la experiencia., y hasta el día que aparezca cierto tipo de presenilidad, seguiré adelante. Pero si no estás dispuesto a aceptar tu edad, no puedes hacer eso. Te sientas ahí y dices, bien, hace 40 años, yo era este tipo quien llegaba corriendo y empuñaba esta pistola. No es que ahora no pudiera hasta cierto punto hacer eso (risas) solo que no es adecuado. Parece más apropiado interpretar lo que está a mi alcance ahora. Me divertí envejeciendo en In the Line of Fire, pero ahora es tiempo de decir que este es quien eres y quien vas a ser. Podría teñir mi cabello y decir que tengo 35 años otra vez. Pero no los tengo, así que no hago eso. Me aprovecho de la gran oportunidad que hay de interpretar a una persona como Frankie con sabiduría callejera. Pero cuando le escucho ahora en el teléfono, usted no suena tan viejo como Frankie, y sospecho que también se mueve con más facilidad que él. ¿Cuánto trabajó para crear ese personaje? Naturalmente, asumo esa voz por lo que siento de cómo es el tipo, y eso te absorbe por completo. Cuando empecé, solíamos sentarnos para hablar acerca de las actuaciones e intelectualizar. Pero en algun punto, te das cuenta que tiene que actuar a un nivel orgánico. Una vez que superas el nerviosismo acerca de la técnica, y superas el hecho de que tienes que decir líneas que fueron escritas para el personaje, te das cuenta que tienes que traerlo desde adentro. Es una forma de arte orgánico. No es que eso signifique que los actores no son inteligentes. Ese no es el caso para nada. Pero tienes que estar dispuesto a trabajar desde adentro para hacer una actuación efectiva. Si, estoy interpretando a un tipo viejo. Tu voz se hace diferente, tus movimientos son diferentes. Y entonces, la parte física cambia y la historia se desarrolla. A medida que él es más golpeado por los obstáculos que tiene que enfrentar y las decisiones que tiene que tomar, se convierte en una figura casi por completo diferente. Por ejemplo, en esa pequeña secuencia donde la enfermera dice, “Tuvimos que sedarla”, es una situación patética y no tienes que decir nada, eso está ahí dentro de tu ser, y, al esperar que eso esté ahí de verdad, eso se transmite a la audiencia. Usted dice que, es usted que habla como el actor, pero ¿como hace para negociar con usted el director, quien probablemente se pregunta si lo que usted el actor hace es suficiente para la escena? ¿Cómo hace para mantenerse mirando la escena desde afuera, cuando usted actúa en ella? Esa es la cosa más difícil. Como observas y tienes una discusión con otro actor como el personaje, sin criticar lo que ellos hacen como el director: ¿Por qué ella está haciendo eso con su boca? ¿Qué es esa expresión? Tienes que meterte ahí con intensidad, y tienes que estar ahí con el programa. De otra manera tiene un efecto petrificante y nunca serás capaz de profundizar lo necesario para lograr una secuencia difícil. Pero cada esecena es diferente. A veces está bien llegar y preocuparse como en la vida. Y en otras escenas tienes que empujarte hasta el fondo y estar ahí en la situación con los otros actores, y no puedes pensar en lo que está haciendo la cámara. Pero eso se aprende de los años de experiencia. Cuando empecé a dirigir, tenía que estar en la película para hacerla. Y seguí haciéndolo porque las personas que quería no estaban disponibles o habían fallecido. Las circunstancias me llevaron a este cuerpo de trabajo, y aquí estoy a mis setenta y tantos, dándole. Bien, todavía estoy aquí, aún cocino. Todavía tengo ideas y cosas que quiero explorar. Y tal vez debería ser agradecido por eso. En esta película, los actores hacen interpretaciones hermosas entre sí. El tiempo y el sentido de espontaneidad de personas hablando naturalmente entre ellas es maravilloso. Gracias. Cada quien dirige películas de manera diferente, pero la manera como logro eso es justo haciéndolo. Ciertas escenas las ensayaré si hay dificultades técnicas de luz y cámara. Afortunadamente tengo un equipo de camarógrafos que está muy bien acoplado, ellos saben muy bien hacia donde estoy enfocado, sin mucha explicación. Y entonces, cuando llegamos al punto donde lo hago, nadie hace preguntas cuando trato de llegar a esa parte. El objetivo es hacer que todo suene como se dijo la primera vez, así que lo único que puedo hacer es tratar de tomarlo la primera vez que se dice. Así que muchas veces lo hago de esa manera. Sé que a algunas personas no les gusta hacer eso. Y si no sale bien la primera vez, tienes que trabajar muy duro en eso. Pero te sorprenderías de lo interesante que algo puede ser la primera vez que se trata, si tienes buenos intérpretes. Y a veces el ritmo o el tempo no es bueno, así que dices hagámoslo de nuevo con un poco más de tiempo, o no hagamos un momento de lo que no debería ser un momento, o hagamos un momento de algo que debería ser un momento. Pienso que eso es lo que me mantiene haciendo esto en esta etapa de mi vida. Cada secuencia tiene sus propios retos. Y no hay reglas. La regla es lo que sea que aparezca. No hay un estilo para cada escena. Es lo que te toma llegar allí. Tienes que entender a las personas. Tienes que crear una atmósfera y un tono donde todos se sientan extremadamente relajados y no haya tensión que obstruya lo que estás tratando de hacer. Y es sorprendente todo lo bueno que puede salir de eso. ¿Qué tanto piensa usted que la actuación está relacionada con interpretar música? Me impresionó verlo hablar de tempos. Usted es músico. Esta es en verdad dos preguntas en una. También me pregunté por qué le tomó tanto tiempo escribir una anotación musical. Usted solo lo ha hecho en las últimas dos películas. He escrito los temas musicales de Unforgiven (Los Imperdonables) y más atrás para Tightrope y Bridges of Madison County. Si, también he pensado en el tempo de una escena, si escribo o no la anotación musical, y si tuviera a un músico que hiciera la anotación de la película, siempre conseguiría a alguien quien sintiera el tempo de la película cuando se la mostrara. O si buscara a alguien antes de filmar la película, le diría lo que pensara de cómo debería ser el tempo. Hago un tema musical basado en lo que pide el ritmo de la película. No lo hago porque quiera otro trabajo, pero a veces sientes que lo puedes hacer mejor de lo que lo puedes explicar. Por ejemplo, con Mystic River, me senté y empecé a tocar una tríada, porque estaba pensando en tres tipos, y entonces empecé a componer cuerdas alrededor de eso, y pensé, si, podría ser algo simple como eso. Escribí un tema y un puente pequeño hasta él. Y para esto, tocaba este blues Floyd Crameriano y pensé que si podía darle un pequeño giro rural, podría ser un tema interesante, y entonces quería que el puente fuese un poco más melódico tal vez, más como si viniese de otra parte, que la representara a ella y todo lo relacionado con ella. Así fue como ellos llegaron juntos. Lo hice todo por partes. Edito aquí en Carmel, y conozco a este guitarrista de jazz así que fui a su estudio y le toqué el tema. Él se lo aprendió en la guitarra, y entonces nos sentamos y lo tocamos cuatro veces en diferentes tempos y una vez rasgando las cuerdas y otra vez punteandolas y una vez con tempo y otra vez sin tempo, y me fui con eso. Él pensó que solo había sido una prueba, pero yo pensaba que iba a usar eso. Entonces fui donde otro amigo al otro extremo del pueblo quien tiene un buen equipo computarizado, y el probó algunas cuerdas sintetizadas y oboes y que tienes, una anotación muy simple del mismo tema. Despues le pedí a Lennie Niehaus que escribiera partituras de violin, cello, bajo y oboe y lo hiciera real. No me importa usar música sintetizada hasta cierto grado, pero nada reemplaza al hecho real. Así que junté las piezas de esa manera. Y podía usar la prueba mientras hacía la película. Joel Cox y yo montaríamos las piezas y las probaríamos. Y cuando llegamos a donde queríamos, pusimos la música real, y lo conseguimos la primera vez y nunca tuvimos que regresar y hacerlo de nuevo. Es un tipo de manera poco común de hacer las cosas, pero es la única manera que conozco. Lo que me gustó de eso fue que de maneras muy sutiles, eso afectó el significado. Como al final cuando Frankie camina por el corredor y sale por la puerta. Eso te da una idea de que aunque este tipo podría no saber nunca si hizo lo correcto, de alguna manera el cosmos sabe que hizo lo correcto. Ese es justo el sonido de eso en ese momento. Eso es bueno, porque eso es lo que estábamos tratando de hacer. Nunca sabemos, eso es seguro. La ambigüedad al final es la misma para Frankie como para toda la película. Pero con la última toma, nos dimos cuenta que Morgan ha estado escribiendo una carta para la hija de Frankie. Y vamos a ese pequeño restaurant, y eso parece familiar, y nos movemos hacia eso y parece un poco como una cabina, podría ser la cabina donde ellos discutieron. Y cuando llegamos a la ventana vemos que alguien está ahí dentro, pero está un poco oscuro y no sabemos si es Frankie. Tal vez, tal vez no. No sabemos. Así que ahí va él y se convierte en el alma perdida que el cura predijo, lo cual es probablemente el caso. O tal vez él regresa a ese pequeño restaurant con gran nostalgia por cualquier vida que hayan compartido los dos. ¿Qué piensa usted del boxeo femenino? O primero, ¿que piensa usted del boxeo? Cuando yo estaba creciendo, Joe Louis era el campeón, y lo admiraba. Como muchacho, yo pensaba que eso era una gran cosa. Y cuando hacía películas, yo entrenaba. Un amigo mío, Al Silvani, era un famoso entrenador de boxeo. Es un deporte interesante. Me gusta cuando se hace bien. En cuanto a las mujeres, no sé. Siento que las personas deben hacer lo que quieren hacer. Me parece que no soy tan prejuiciado como Frankie Dunn, pero pensé por un momento que quizás las mujeres no deberían hacer ese tipo de cosas pugilísticas. Conocí a una muchacha que se hizo boxeadora. Ella estaba en Las Vegas y yo trabajaba ahí y le dije a Silvani, que fuera y le diera una mano, y él lo hizo. Ella boxeó por un tiempo y luego lo dejó, supongo que fue una sabia decisión. No sé. Su nombre es Lucía Rijker, quién aparece en la película, ella interpreta a “Blue Bear”. ¡Ella es intimidante! Lo es. Ella es como de hierro. Hay una escena en la película, dije que teníamos que tener a Lucía para ese momento. Y está este amigo mío quien es árbitro y campeón de karate y todas esas cosas. Le dije, ¿Eres un buen árbitro? Bien, ve ahí dentro y sé un buen árbitro y sepáralas. Y él trató, y Lucia lo lanzó a la lona junto a la muchacha contra quien peleaba. Él se levantó y estaba muy sonrojado. Y dejé eso en la película. Rijker es así, y es una gran dama. Y ha alcanzado un tope de éxito y adulación en cierto público que la admira por lo que ha hecho. Ella es una persona muy dedicada y trabaja muy duro y eso le da más poder. Yo siempre solía bromear en las grabaciones, “¿Se imaginan que un pobre tonto de Sunset Boulevard empuñe la manija de la puerta de su carro y traté de montarse? Se va a llevar una sorpresa”. Ella es una gran muchacha, y está estudiando actuación. Así que eso funcionó a la perfección. Ella pudo interpretar el papel y ayudó mucho a Hilary al darle su perspectiva de lo que es ser boxeadora y algunos puntos importantes del arte. Esta es visualmente una película oscura, justo en el límite de ser muy oscura de ver. Es de verdad magnífica, pero pocas veces ves una película estadounidense que se arriesga a ser tan oscura en toda su extensión. El uso de luz y oscuridad en una película, para mi, es muy importante. Quería que la pelicula luciera como una película de cualquier época. Podía haber ocurrido en los años treinta o los cuarenta y son solo los carros o lo que dicen en la radio lo que te dice que estás en una época y no en otra. Y entonces trato de diseñar la luz y el color que se ajustan al drama. Tom Stern, quien ha sido supervisor para mi por mucho tiempo y tiene un talento tremendo, me dijo que estaba tratando de ingresar en el Cinematographers Guild, y si lo lograba, yo podría contar con él. Y yo dije, hagámoslo. Le conseguimos un abogado quien hizo los contactos y lo metió en el sindicato. Así que lo usamos en Mystic River e hizo un trabajo espléndido. Cuando él era supervisor yo podía decirle a él y los cineastas para los que trabajaba, Jack Green y Bruce Surtees, como veía el panorama. Y muchas veces hago el viejo truco de iluminación de John Ford. Voy alrededor y apago las luces. Ahora el llega al punto donde sabe, y dice, “Aquí está, mira la toma”. Y me la muestra con la luz prendida y apagada. Y yo digo, “Está bien, deja la luz apagada”. Ahora yo podría haber seguido hurgando y decir haremos otra toma con la luz encendida y otra vez con la luz apagada. Pero no, tomé la decisión y él se puso más oscuro y más oscuro y me parece que yo también respaldé la oscuridad y llegamos a esta cosa. Me gusta un panorama de esquema nocturno, especialmente para esta película. Y no es nada más que como un pintor diciendo, dispersaré un poco aquí un poco allá, y al ver eso, Oh, estoy superdisperso. La razón por la que me gusta tanto Tom es que él es rápido y tranquilo y eficiente y así son sus dos operadores, y también están prestos. Todos están listos. Esa es la clave para mi. Ellos saben que estoy listo en cualquier momento. Y el tipo del sonido. Solo tengo que mover la mano y ellos saben. Especialmente con niños. Los niños son brillantes pero si les haces saber que la cámara está activada, ellos se hacen autoconscientes. Y la escena está usualmente tan tranquila que podemos seguir adelante y empezar las tomas. Inclusive he hecho eso con actores experimentados. Y entonces no tienes que tener alguien gritando, “Tranquilos, tranquilos”, ni timbres sonando y todo ese tipo de cosa. Recuerdo que una vez caminé en la escena de grabación de In the Line of Fire en MGM. Era la primera vez en cierto tiempo que trabajaba para otro director. Y había timbres sonando. Y dije, “¿Para que son estos timbres? No hay fuego”. Y el asistente estaba gritando, y yo dije, “Ahora solo relájate. Si gritas, todos van a gritar para superar tus gritos. Así que habla con tranquilidad y todos hablaran tranquilamente contigo”. Estos son pequeños trucos que aprendes a través de los años de trabajar a cierto nivel. Y todos saben que no se juega con eso. No trabajamos por largas horas, porque mientras estamos ahí trabajamos. Y siempre tengo buen carácter para que todos tengan un buen almuerzo. La armada viaja en su estómago. Es un estilo. No es el estilo, pero es un estilo. Cuando usted empezó a trabajar en esta película, ¿Hizo muchos cambios en el guión original? Este es casi el mismo guión de cuando me lo dieron. Llamé a Paul Haggis. No lo conocía pero lo felicité y le dije que su guión era muy agradable, y el preguntó que si yo quería reescribir y le dije: “No, pero si necesito algo, te llamaré”. Dije, “Hago cambios sobre la marcha”. Y él dijo, “Los haré para ti”. Y dije, “Bien, a veces estos ocurren en el momento cuando te estás adaptando a los intérpretes y otras cosas”. Como cuando caminas en una escena y notas que sería mejor que la luz viniera desde aquí y no desde allá. Esos son ajustes hechos sobre la marcha. El guión es el mismo. Es una arquitectura, pero no está completamente adherido a la especificación de una arquitectura. Tienes que sentirte libre con el. Me preguntaba sobre un aspecto del personaje de Frankie. Él es católico. Está tratando intensamente de ser un buen católico. Va a misa todos los días. Él va donde el cura y le abre su alma. Y eso pone lo que ocurre al final en un contexto particular. Eso significa específicamente que él tiene que ir contra la iglesia cuando decide hacer lo que hace. Pero las personas que no son católicas o religiosas a veces se encuentran en su posición y es un poco tan agonizante y complicado como lo es para él. Me pregunto si usted pensó alguna vez como habría sido la historia si la religión no tuviera ese peso tan grande en la vida de Frankie, o si esta fue la historia que le dieron y usted se mantuvo con ella. Parecía tan lógico. Frankie Dunn, encontré que él es irlandés de entorno católico. No soy católico, pero entiendo el dogma de ellos en este tipo de asunto. Esto llevó a una cosa complicada. Su tipo de relación amor/odio con su fe, sus incertidumbres, pienso que lo asediaron. Pero pienso que la clave fue cuando está absolutamente desesperado, y va donde el cura para ser consolado por este asunto. Y el cura dice, “Déjale eso a Dios”. Y él dice, “Ella no le está pidiendo a Dios”. Y entonces, el cura dice, y pienso que esto es la clave, “Olvidate del cielo, olvídate del infierno, olvídate de Dios, de todo eso. Si haces eso te perderás tan profundamente dentro de ti que nunca te recuperaras”. Así que el cura lleva eso a un nivel emocional y espiritual fuera de las reglas de la iglesia. Él dice que psicológicamente te dañarás hasta un punto desde el cual no hay retorno. Así que él hasta suelta la usual discusión que ellos tienen cuando se trata de este tipo de cosa o asuntos de aborto, o cualquier cosa como eso. Y pienso que esa es una de las cosas que hicieron eso tan interesante. Eso me hizo pensar, si, Frankie definitivamente debe ser un irlandés católico. Y pienso que F.X. Toole (el escritor del cuento en el cual está basado el guión) es un irlandés católico. Había alguna comprensión de la escritura que de verdad funcionó para mi. Y me gustó el cura y me gustó la forma como actuó. Él es un actor maravilloso (Brian O’Byrne). Esas escenas fueron hechas todas en una toma. Él estaba listo y las hicimos. ¿Quiere decir usted algo acerca de tener que lidiar con un asunto tan caliente justo ahora cuando la temperatura del país está donde está y el gobierno parece pensar que debería tomar decisiones acerca de lo que yo personalmente pienso son asuntos muy privados? ¿Ha pensado usted en lo que significa exhibir está película ahora? Sabe, no pienso en eso. Me parece que soy lo suficientemente obstinado para…Si hay una controversia, eso no me molesta. Porque ese pensamiento es provocador, sin importar en que momento de la historia está, o quien eres. No me importa si eres un estado rojo o azul. Cualquiera ha tenido alguna experiencia en algun punto de su vida cuando han pensado acerca de este tipo de cosas, cuando han pensado en la vida y la muerte. Y ¿hay razón ahora para que algunas personas tengan un dogma contra eso? Bien, las personas pueden tener un dogma acerca de muchas cosas, pero entonces empiezas a pensar acerca de eso, y casi cualquiera, si empiezan a pensar en eso, se da cuenta de que sería una decisión difícil, sin importar el lado donde estés. Sería una decisión difícil para él esperar hasta que ella muera. Es tan impactante cuando él le dice al cura que egoístamente él quiere mantenerla consigo. La cosa no es un esquema Kevorkiano donde le haces un favor a alguien quien viene y te lo pide. Esta es alguien por quién él tiene sentimientos muy profundos. Egoístamente, él la quiere ahí y ella se quiere ir, y ¿a donde vas desde ahí? Ese es el dilema. Con la excepción de Mystic River, sus películas cada vez más han tenido esos guiones muy enigmáticos, donde ciertas cosas que podríamos esperar saber son dejadas sin contestar, como que nunca sabemos que causó el altercado entre Frankie y su hija. ¿Le gustan ese tipo de guiones? Si. Hay una tendencia en la realización de películas de tratar a la audiencia como si ellos no se interesarían en la película a menos que les expliques cada pequeño detalle de esta. No le puedo decir cuantas veces me han preguntado que significa en Mystic River al final cuando Kevin Bacon señala a Sean Penn con el dedo. ¿Significa eso que le va a ajustar cuentas o significa que yo sé y usted sabe y ese es un secreto que tendremos toda la vida? Y le digo al tipo que hizo la pregunta, “¿Qué piensas que significa?” Y él dirá cualquier cosa que piense que sea. Y le diré, “Si, lo que sea que pienses es, está bien”. Me gusta eso en las películas, cuando hay algo que te deja pensando. Me siento atraído por ese tipo de cosas. Pero muchos guiones son sobre expositorios, o llegan al punto donde piensan que tienen que explicar, o algun ejecutivo dirá, ¿qué ocurre aquí? Tenemos que saber. Bien, ellos no tienen que saber nada. Ellos tienen que pensar, y ¿por qué ellos no deberían pensar contigo? Provocas ciertas emociones y dejas que la imaginación se encargue. Para mi, eso es mucho más divertido. Ahora que eso resulta ser una idiosincrasia mía. Otras personas podrían no sentir de esa manera, y eso está bien también. Sin usar la ambigüedad hasta el punto donde es aburrida, si algunas veces algo no se explica, eso es mucho más pintoresco en la mente de la persona que algo que es dibujado para ti, lo cual puede ser molesto porque deseas que hubiese sido algo más. Siempre recuerdo la parte en The Searchers donde John Wayne regresa de encontrar el cuerpo de la hermana mayor, y dice, “Nunca me preguntes lo que vi”. Así, que por supuesto, pasas el resto de la película tratando de imaginártelo Esa fue una de sus actuaciones brillantes y valientes porque nunca tuvo miedo de interpretar el racismo. Y cuando miras a sus ojos en ese momento sabes que no fue algo bueno lo que vio. Y casi resentirías si él empezara a explicarlo. Una película como Million Dollar Baby es solo un segmento de una vida, y los otros aspectos de esta, esos tienen que ser dejados en la otra vida. Traducción: Alfonso L. Tusa C.